EL LENGUAJE FOTOGRAFICO
Para comprender en realidad la esencia gráfico-plástica de la fotografía, es vital dominar ciertos principios de orden compositivo que le son inherentes, algunos de estos principios son de naturaleza pictorialista (Es importante recordar que en un principio los fotógrafos eran pintores y esto heredó o consecuentó que hubiese una tendencia pictórica) otros principios sin embargo, tienen una naturaleza totalmente fotográfica, es decir que sólo se encuentran en la fotografía o son más notorios en ésta.
Se puede decir que la propiedad especifica de la fotografía es la de transferir (sobre un soporte físico durable) impresiones ópticas de la realidad en forma de imágenes obtenidas por medio del principio de la cámara obscura, a través de la acción de la luz que incide sobre una superficie sensibilizada
Debido a que la fotografía parte de un proceso indirecto, (negativo-positivo o positivo-positivo) es decir que entre la realidad y la imagen hay una contraimagen mediadora, o sea el negativo, la imagen sufre una serie de alteraciones desde el momento de la toma hasta la copia final; todo este proceso como ya se mencionó comienza desde la toma la cual puede realizarce indistintamente en película de color, blanco y negro, positiva o negativa: si esta aseveración resulta cierta, es también lógico comenzar por analizar lo relativo a la respuesta gráfica y conceptual de la película (no se entienda un análisis de las distintas películas).
La película en blanco y negro, ocupa un lugar especial en el campo de las artes gráficas, si se piensa en ella de una forma desapasionada, se podría visualizar como una versión inferior de la realidad, pero si analizamos que al observar una imagen en color y compararla con la realidad no la reproduce totalmente, se podría llegar a la conclusión de que el color es más irreal que el blanco y negro, pues no es del todo verdadero, lo cual lo hace surrealista, en cambio el blanco y negro crea una atmósfera y una realidad propia, lo cual lo vuelve hiperrealista.
La película en color ofrece la posibilidad de reproducir cada aspecto visual de un instante, por ello no se espera de ella otra cosa que no sea una reproducción fiel del original; el blanco y negro adolece de estas expectativas prosaicas, no es del todo reproductor o copiador , lo cual le da la singular ventaja de poder ser utilizado como un medio más expresivo que de archivo.
En realidad la cuestión del positivado no tiene tanto que ver con los atributos fotográficos como con los técnicos, pues de una buena toma deberá obtenerse una buena impresión, -siempre y cuando ésta se realice correctamente-, por lo cual se ha decidido omitir este punto.
COMPOSICIÓN
Si todo fuera tan fácil como hacer la toma en una buena película, cualquier persona podría hacer -que no tomar- una buena fotografía, la verdadera fuerza de una imagen radica en la combinación de un motivo y una buena composición, lo que se decide dejar fuera es tan importante como lo que está dentro de la toma.
Hasta bien entrado el siglo XX, la composición estuvo regida por los principios pictóricos, y por tanto, por el modo en que la vista percibe el motivo cuando lo contempla sin instrumentos. Los avances en materia de óptica, provocaron el avance de normas específicamente fotográficas, (que han influenciado a algunos pintores); la parte más importante para poder comprender la composición fotográfica, es la que se refiere a la gráfica la cual está fundamentalmente dirigida hacia la línea, la forma, el volumen la textura y el tono, como ya se mencionó, estos principios fueron genéticamente pictorialistas, pero en la actualidad se han asimilado tan bien que se han convertido en principios netamente fotográficos.
En una imagen los elementos gráficos son básicos y de vital importancia, ya que son los componentes de todas las Imágenes; la fotografía hace uso consciente de uno o más de estos elementos, el tema de una fotografía puede ser la parte más importante y memorable de una imagen, pero la forma en la que el fotógrafo la trate gráficamente, puede constituir una enorme diferencia. Es posible inclusive realizar Imágenes irresistibles de temas que presentan poco interés en sí mismos.
LA LÍNEA
El elemento más básico, es la línea, esta puede ser corta, larga, ancha, delgada, recta, curva o en distintas; puede separar o unir una figura y a menudo tienen una tendencia incontenible a dirigir la vista del observador, llevándolo de un lado a otro. Aunque en la naturaleza no existe la línea pura, abundan en Imágenes como bordes y conexiones entre filas y filas de objetos, por ejemplo, la línea pintada de la carretera, la línea de un edificio, el horizonte y el tallo alto de una planta, todas son líneas obvias; el ojo y el cerebro también forman líneas a partir de unos pocos elementos, una hilera de soldados en formación o un zurco de maíz, también son interpretados como líneas.
Las líneas tienen un importante efecto psicológico, ya que pueden proporcionar efectos de movimiento o provocar la sensación de un estado. Por ejemplo las líneas horizontales, tienden a producir sentimientos de estabilidad y solidez, mientras las verticales, tienen más energía, las diagonales presentan la sensación de movimiento inestabilidad y dinamismo, las curvas también hablan de movimiento pero lo moldean con un sentimiento de progresión suave, muchas de estas evocaciones surgen de la experiencia que ciertas líneas evocan, la gravedad tiene mucho que ver con las distintas sensaciones que las líneas horizontales y verticales producen.
En fotografía, las líneas no solamente son tangibles, también las hay visuales o etéreas –como las llamo- este tipo de línea es tan importante como la gráfica, pero ¿que es una línea visual?, las líneas visuales son aquellas que se forman entre varios elementos que en un momento dado no están unidos físicamente, pero que por cuestiones compositivas, se llegan a unir, o que por el mismo movimiento de la imagen tienen una trayectoria determinada.
En determinadas imágenes, las líneas llegan a ser mas importantes que las formas, e incluso llegan a dar la pauta para la interpretación y lectura de la fotografía.
FORMAS
Los procesos relacionados con la percepción de la forma, son casi enteramente pasivos y proceden de manera lineal del registro de los elementos mas pequeños a la formación de unidades mayores. Recorremos el espacio que nos rodea, salimos a los lugares distantes donde hay cosas que tocamos y reconocemos, es decir, que la percepción de las formas es una actividad netamente activa.
Si las líneas son el elemento básico en la construcción de una imagen, el siguiente nivel es una combinación de líneas que crean una forma concreta; a un conjunto de líneas creadas se la llama con toda propiedad “contorno”, y es este el que crea una forma, las formas existen en dos direcciones, en Imágenes planas en lugar de como aparecen en la naturaleza, ellas son la proyección de cosas a las que les falta el volumen, es decir, que están construidas por el ojo y son importantes como símbolos de reconocimiento para la visión humana, su grado de eficacia se ve en la facilidad con la que podemos entender un objeto complicado a partir de una simple silueta, por ejemplo una persona a contraluz.
La forma material de un objeto viene determinada por sus límites, por ejemplo, la forma circular de una moneda, sin embargo, es importante mencionar que no solo la forma se ve determinada por los límites, ya que la forma queda plasmada por los rasgos espaciales que se consideran espaciles.
A un nivel menor, las formas en la fotografía se hacen prominentes por cualquier contraste tonal distinto. Sin necesidad de manipulación en el laboratorio, las formas pueden constituir el punto de interés de la imagen y generalmente parten de motivos geométricos sencillos que van creando otros más complejos que crean cierta sofisticación en las composiciones, si esto además es combinado con la línea, la imagen va adquiriendo personalidad.
Un factor que tiene gran influencia es el contacto del observador con formas que anteriormente ya ha visto en el pasado, la interacción de la forma con el objeto presente y las cosas vistas en el pasado no es automática y omnipresente, sino que depende de que se perciba una relación entre ellas, es decir, que la influencia de la memoria se acrecienta cuando una fuerte necesidad personal hace que el observador quiera ver objetos de determinadas propiedades perceptuales.
VOLÚMENES
A partir de las formas, un paso adelante en el realismo es el volumen, es decir, el espacio tridimensional de un objeto, mientras nuestra familiaridad con un objeto y nuestra imaginación nos llevan a construir la profundidad y la tangibilidad de un objeto a partir tan solo de su contorno, una fotografía con unas buenas calidades de volumen, lo hace obvio por la distribución de tonalidades.
Muchas técnicas se combinan para dar volúmenes, paro tal vez la de mayor importancia sea la iluminación, los fotógrafos de bodegones y fotografía de producto, son los que más interés manifiestan por el tema, ya que dependiendo del objeto a fotografiar, será el tipo de iluminación que se utilice.
Mientras el volumen no debería dictar necesariamente el tratamiento de la luz, es ante todo un atributo de realismo. Un fuerte sentido del volumen, va normalmente unido a una representación clara, las técnicas que ayudan a la abstracción como las que destacan las siluetas, trabajan contra el volumen.
Contrariamente a lo que se cree, una buena iluminación, es aquella que revela sombras, ya que éstas son un indicio de volumen en un objeto, pues nuestros ojos utilizan la sombra como prueba veraz del volumen.
TEXTURA
La textura es la calidad de superficie de un objeto, y al igual que el volumen, es tridimensional, a la vez que se puede utilizar para la realización de imágenes abstractas, su valor principal en fotografía es como ayuda para conferir realismo, ya que en muchos tipos de fotografía, uno de los objetivos es acercarse al observador de una forma lo más representativa posible para hacer una imagen quasitangible, si la textura aparece, contribuye en gran medida al sentido del realismo
Un fotógrafo de alimentos, necesita toda la ayuda posible para conferir la sensación de sabor, la textura al estar directamente ligada con el sabor, juega un papel importante y los especialistas en el tema trabajan intensamente para reproducir sensaciones táctiles, por ejemplo la fresca textura de una sandia o el brillo de una quesadilla.
TONO Y COLOR
Para hablar de tono, resulta imprecindible mencionar el color, ya que independientemente de que cuando se fotografía en blanco y negro el resultado es blanco y negro, los seres humanos percibimos las cosas en color –salvo algunos casos especiales en los que no se puede hacer de esta manera por cuestiones de tipo físiológico- y posteriormente se hace una interpretación del color para convertirlo en tonos de gris.
Nadie puede estar seguro de que las otras personas perciben el color de la misma manera que uno mismo, de hecho eso es virtualmente imposible, ya que por ejemplo, entre dos personas una con un sentido visual educado y otra sin esta característica, un color como el rojo-amarillento puede ser confundido con el naranja.
En gente con un nivel de percepción del color básico, se puede hablar de son capaces de distinguir con seguridad y facilidad un total de seis colores, los tres primarios y los tres secundarios, así como tres tonos, el blaco, el negro y el gris, ya que es mucho mas fácil retener en la memoria las diferencias de grado que las de clase, asi, podemos distinguir la rojes, azulez, amarillez y la escala de grises.
Deberá entenderse como tono a la traducción del color en una escala de grises debido a que la película en blanco y negro reduce (o amplia) la realidad a tonos, estos pueden ser alterados más o menos a voluntad y lo único que se necesita es creatividad y un juego de filtros, ya que con un determinado filtro se pueden manipular de forma selectiva las diferentes tonalidades de gris de una imagen; esta libertad para experimentar con valores tonales, es uno de los mayores atractivos en la película e blanco y negro.
Sin embargo, a menudo un filtro solo sirve para corregir la forma en que una película monocromática registra la luz. La tonalidad de gris en la que se registra un color depende de la intensidad de la luz y de la sensibilidad espectral de la película, el rojo, por ejemplo, se registra más pálido de lo normal en el negativo por que la película es relativamente insensible a él, en la copia por tanto, aparece obscuro, al otro extremo, está el azul, frente al que la película es más sensible que nuestros ojos, por tanto en la copia aparece pálido.
En un momento dado, podría decirse que dominada la línea, la forma, el volumen, la textura y el tono, ya se está del otro lado, pero hay otros factores que influyen en la imagen de manera no menos importante y son: la perspectiva, el ángulo de toma, el encuadre, el ritmo, la profundidad de campo y el tiempo de obturación.
LA PERSPECTIVA
La pintura antigua demuestra que sus autores desconocían la perspectiva, pero una vez adquirido este conocimiento, dominó al arte durante cientos de años, sólo que en el presente siglo, ha dejado de ser intocable la perspectiva tradicional y el fotógrafo puede explotar este terreno fácilmente, ya que un sencillo cambio de objetivo o la manipulación de un “zoom” se convierte en un cambio de perspectiva instantáneo, para entender los cambios de perspectiva se puede decir que a menor longitud focal, mayor perspectiva y viceversa.
EL ÁNGULO
Dependiendo del punto de vista del fotógrafo, una toma puede hablar de distintas cosas, una toma a ojo de hormiga hablará de grandes espacios, una a ojo de pájaro hablará de grandes perspectivas, una toma diagonal (en el caso del retrato) expresará volúmenes y formas, una toma frontal, será más franca y sencilla.
En este sentido, tambien hay una influencia muy marcada por la óptica con la que se fotogafíe, aquí podemos hablar de tres tipos básicos de objetivos fotográficos, los cuales tienen ciertos efectos en la toma, estos tres tipos de objetivos lo podemos dividir en tres grupos, las lentes normales, las lentes de tipo gran angular y los telefotos.
Las lentes normales en cámaras de 35 MM, son aquellas que tienen un ángulo de aproximadamente 35 grados, este ángulo, es similar al del ojo humano. También son considerados como lentes normales los que están entre lo 30 y 45 grados.
Las lentes consideradas como gran angulares son aquellas que están por encima de los 50 grados, son muy utilizadas para hacer trabajos de paisaje o cuando los espacios entre los objetos a fotografiar y la cámara son muy reducidos, el problema con estas lentes, es que presentan lo que se denomina como error de perspectiva, debido a que su ángulo es mas amplio que la vista, lo cual representa un problema que se relaciona de la proporción de los objetos, pues un elemento se verá mucho mas largo de lo que en realidad es. Dentro del grupo de gran angulares entra también una “familia” de lentes a la que se le denomina ojo de pez y tienen la particularidad de proporcionar un ángulo fotográfico superior a los 120 grados, incluso hay algunos que llegan a los 180 grados.
Las lentes llamadas telefotos se dividen en dos grupos básicos, las fijas y las móviles –zoom- ambas tienen la característica de tener un ángulo menor a los 30 grados y se utilizan generalmente para hacer acercamientos a objetos que se encuentran a distancias considerables de la cámara. Los telefotos son las lentes favortos de los fotógrafos de deportes y de guerra por razones obvias.
EL ENCUADRE
Fotográficamente hablando, el formato más ampliamente utilizada es el de 35mm que presenta una relación de 2 x 3 (es decir 24 x 36 mm) y que resulta muy versátil pues permite el uso de dos tipos de toma (vertical y horizontal). Afortunadamente, cada imagen pide su encuadre y no hay una regla de oro que se pueda aplicar, o bueno...tal vez si hay una, el fotógrafo tiene que aprender a ver y a elegir el encuadre desde antes de la toma, en lo referente al formato medio (120) se podría decir que no representa mucho problema pues en el caso del 6x6 cms. es cuadrado y en las otras dos modalidades (4.5x6 cms. y 6x7 cms.) son cuadrangulares, lo cual facilita enormemente el trabajo.
EL RITMO
El ritmo es un elemento gráfico importantísimo que une visualmente formas y líneas que le confieren movimiento a al imagen, dichas formas pueden ser repetitivas o inconstantes y su principal labor es la de llevar al observador de un lugar a otro sin que se le tenga que guiar físicamente.
Los motivos rítmicos tanto naturales como artificiales son omnipresentes y con un poco de atención es fácil descubrir sus posibilidades y aportaciones a la composición. Una parte importante del talento del fotógrafo es su habilidad para aislar motivos interesantes de la abundancia de información visual y describirlos de la mejor manera posible mediante la composición para después modificar los motivos rítmicos, por supuesto, para llegar a esto, se deberá echar mano a todas las posibilidades anteriormente descritas.
PROFUNDIDAD DE CAMPO
Este es uno de los más importantes temas en lo referente al lenguaje fotográfico, pues con ella podemos aislar o enfatizar al elemento de la toma, la manera de utilizarla es de lo más sencilla, a mayor apertura de diafragma, menor profundidad de campo y viceversa, en si, la profundidad de campo es la nitidez que existe en la fotografía hacia atrás –distancia focal- y hacia delante –distancia hiperfocal-.
La profundidad de campo se ve afectada por tres factores, la apertura del diafragma, la distancia a la que se encuentren los objetos de la cámara y el tipo de óptica que se utilice. En este sentido, hablaremos de cada uno de ellos de forma individual.
Apertura del difragma: Entre fotógrafos hay una ley básica, a menor apertura de diafragma, mayor profundidad de campo, y a mayor apertura menor profundidad de campo.
Distancia: otra ley básica de la profundidad de campo es que a mayor distancia, mayor profundidad de campo, y a menor distancia menor profundidad, esto se debe a que en distancias cortas los planos focales se vuelven críticos, es decir que en una distancia de 20 cm hay mucho mas planos focales que a 20 metros.
La óptica: dependiendo del tipo de lente que se utilice para hacer una fotografía, se verá afectada la profundidad de campo, las lentes normales reaccionan sin mayor problema a la ley de a menor apertura del diafragma mayor profundidad y viceversa, sin embargo, las lentes gran angulares y las zoom responden a ciertas características propias de la disposición de cada uno de los elementos de la lente, las gran angulares tiene una distancia focal e hiperfocal mayores, mientras que la distancia focal de las zoom es menor y la hiperfocal es casi inexistente por tanto, con una apertura mediana las gran angulares tienen una nitidez total, mientras que las zoom necesitan casi toda la menor apertura para tener una profundidad de campo amplia.
TIEMPO DE OBTURACIÓN
Tiene mucho que ver con el movimiento y es un aspecto totalmente inherente a la fotografía, pues es la única expresión visual que puede captar el movimiento total de las cosas, su funcionamiento es tan sencillo como el del diafragma, a menores tiempos las imágenes se congelan y a mayores tiempos las Imágenes se barren.
Es importante destacar que la combinación de tiempos y diafragmas está ligada a la cantidad de luz que incidirá sobre la película.
